Collections

Simple et originale, cette collection rend hommage à la célèbre Mona Lisa de Vinci par des jeux de cadrages et de couleurs inédits. Le vert céladon, frais et éclatant, apporte une touche de vitalité.

Une interprétation libre de la célèbre Joconde souriant aux visiteurs du Louvre dans la galerie Medicis.

Cette collection pétillante revisite trois des plus grandes oeuvres du Louvre dans un style Pop Art très moderne : la Joconde, la Vénus de Milo et la Victoire de Samothrace

Un hommage à l'oeuvre la plus célèbre de Delacroix, allégorie de la liberté et représentation historique des événements de juillet 1830 à Paris.

Notre collection consacrée à l'Égypte antique s'inspire des chefs d'œuvre du musée du Louvre. Elle regroupe de remarquables reproductions de sculptures et de bijoux, ainsi que des gammes colorées qui revisitent de façon moderne et ludique les attributs de cette civilisation légendaire.

La céramique d'Iznik est une synthèse des traditions des arts du feu, du monde byzantin, du Proche-Orient islamique et de la Chine, transmises par la route de la Soie. Elle est considérée comme l’une des plus éblouissantes productions de céramiques de l’Empire ottoman (Avec des oeuvres appartenant au musée de la Renaissance d'Ecouen et au musée Adrien Dubouché de Limoges).

L'architecte sino-américain I. M. Pei qui, dans les années 80, dessina la célèbre pyramide de verre du musée du Louvre.

Pour célébrer les 30 ans de la Pyramide du Louvre, l'artiste Jean-Michel Othoniel propose une création originale sur le thème de la rose.

De génération en génération, les Barbapapa font rêver petits et grands. Découvrez à quoi ressemble une visite des Barbapapa au plus grand musée du monde !

Simon Superlapin, l'irrésistible petit lapin créé par Stephanie Blake, invite tous les enfants a une visite extraordinaire du musée d'Orsay. En partenariat avec le musée d'Orsay, l'école des loisirs a publié Cherche et Trouve Simon au musée d'Orsay, un livre-jeu d'observation dédié aux plus petits.

Cette ligne ancre le bâtiment au coeur de Paris, sur La Rive Gauche. Elle rend hommage à ce musée interdisciplinaire qui abrite des collections de peinture, de sculpture, d’architecture, d’arts graphiques, d’arts décoratifs et de photographie. Elle invite à une balade bohème dans le Paris littéraire, le long des quais de Seine, entre les mythiques réverbères parisiens, les colonnes Morris et les célèbres entrées de métro Hector Guimard.

La ligne Horloge Orsay est une ligne de produits identitaires graphiques et colorés. Elle est principalement composée d’objets de papeterie et de bureau, marqués du sceau de la grande verrière à structure métallique, édifiée en 1900 par l’architecte Victor Laloux (1850-1937), et de l’horloge du Pavillon du musée d’Orsay, deux vestiges de l’époque où ce musée était une gare.

Dès son arrivée à Arles en 1888, la représentation des "effets de nuit" constitue une préoccupation constante pour Van Gogh et devient l'objet de plusieurs tableaux. Avec la Nuit étoilée sur le Rhône, le peintre transcrit magnifiquement les couleurs et lumières qu'il perçoit dans l'obscurité.

Plongez dans le bassin des Nymphéas, grande œuvre de Claude Monet composée de plus de 250 tableaux ! Peintes de 1914 à 1926, ces compositions sont considérées comme l'une des sources de l’abstraction au XXe siècle.

Peinte par Claude Monet à Argenteuil, l'oeuvre fait sensation lors de sa présentation à la première exposition impressionniste de 1874. Cette toile, l'une des plus célèbres de l'artiste, évoque l'atmosphère vibrante d'une promenade estivale.

Cette ligne a été créé à l'occasion de l'exposition "Paris 1874 Inventer l'impressionnisme" au musée d'Orsay du 26 mars au 14 juillet 2024. Il s'agit du détail de l'œuvre de Claude Monet (1840-1926), Impression, Soleil levant, 1872 (Huile sur toile - H. 50; l. 65 cm - Paris, Musée Marmottan Monet.

L'oeuvre appartient à une série composée d'une centaine d'œuvres peintes par Claude Monet sur les monuments de Londres. Le véritable sujet est ici la lumière, et la restitution des effets de brouillard si particuliers de la capitale britannique.

Cette collection est inspirée de l'oeuvre de Claude Monet. À l'été 1886, Monet a réalisé deux peintures de Suzanne, la plus jolie des quatre filles d'Alice Hoschedé. Suzanne semble flotter dans l’arrière-plan de nuages ​​dont elle reprend les couleurs, d’autant plus aérienne ou qui ne se voit pas se faire masquer par une longue robe claire et des herbes folles du talus.

Une gamme florale colorée et épurée inspirée des riches collections d'arts graphiques et décoratifs du musée d'Orsay

Les oeuvres du sculpteur animalier François Pompon inspirent cette collection colorée et ludique pour enfants, créée en partenariat avec Sam Baron, Gérard Lo Monaco et Vilac.

Pour le Congrès de la paix organisé en 1949 à Paris, Picasso est choisi pour dessiner une affiche symbolisant la paix.

Françoise Gilot partage la vie de Picasso un an et prend une place considérable dans sa vie comme dans son œuvre, notamment à travers le dessin, que la lithographie vient relayer et amplifier. Très vite apparaît le visage de Françoise : un ovale ravissant, des yeux rayonnants, une chevelure dont l'opulence est suggérée par le vide que retiennent quelques traits matissiens.

Artiste et jeune photographe, muse et compagne de Pablo Picasso, Dora Maar a joué un rôle crucial dans le parcours artistique de celui-ci. Il l'a rencontre dans le cercle des Surréalistes du Paris artistique de 1936 et va lui inspirer de nombreuses peintures.

Femme modèle et amante, Marie-Thérèse était la «muse dorée» de Picasso. Au travers de son oeuvre intime et objective sur le plan esthétique, l'artiste a fait de ce portrait l'un des plus remarquable de sa génération.

Ce célèbre tableau de Picasso est une allusion cachée à sa compagne et muse Marie-Thérèse Walter.

Picasso séjourne sur la Côte d’Azur et s’inspire de la lumière unique de la baie de Cannes. Son regard transforme la baie en une scène presque mythologique, où la nature devient poésie. À travers son art, il immortalise la baie de Cannes comme un lieu vibrant de créativité et de beauté.

Cet œuvre est l'aboutissement de plusieurs années de travail, Léger cherche à libérer les objets de leur support traditionnel. Il réinvente la Joconde en la plaçant dans un contexte moderne, loin des codes classiques de l'art. Elle est désormais banalisée et ramenée à un objet du quotidien, un clin d'œil à la culture populaire. Ce tableau reflète l'esprit de renouvellement de Léger, cherchant à moderniser et à réinterpréter l'art.

L'œuvre Cirque de Léger célèbre la vie ordinaire et l'extravagance du cirque. L'artiste, fasciné par la machine et les travailleurs, a développé une conscience sociale après son expérience dans les tranchées durant la 1ère Guerre mondiale. Cette gouache évoque les conquêtes sociales de la France des années 1930 comme les premières vacances populaires, et reflète l'engagement politique de Léger.

Marc Chagall commence à travailler sur la série du Message Biblique au début des années 1950, avec l'idée d’orner la Chapelle du Rosaire à Vence. Au sein du Message Biblique, Le Cantique des Cantiques regroupe cinq toiles qui évoquent le célèbre poème de la Bible.

Dans les années 1950, Marc Chagall commence à travailler sur Message Biblique pour décorer la chapelle du Calvaire à Vence. Il offre ensuite l’ensemble à l'État français. Le cycle inclut douze tableaux représentant la Genèse et l'Exode, ainsi que cinq œuvres inspirées du Cantique des Cantiques. Chagall illustre les relations entre l’homme et Dieu.

Fidèle à son univers spirituel, Chagall insuffle à son œuvre une dimension sacrée où le divin et l’humain se rejoignent dans un tourbillon de lumières et de couleurs. En haut dans un souffle baigné de lumière dorée, Dieu insuffle la vie à Adam, qui émerge de l’océan primordiale. Ainsi, les traits de l’ange rappellent ceux de l’artiste qui affirme son rôle de créateur et messager spirituel.

Cette œuvre rend hommage à la musique et aux arts du spectacle. À l'origine, tout comme Le Cirque bleu, elle était destinée à embellir le foyer du Watergate Theatre à Londres. L'attachement de Chagall à la musique et à la danse trouve ses racines dans la culture hassidique et ses rituels qui favorisent une connexion spirituelle avec le divin.

Cette toile autobiographique faisant partie des joyaux du Centre Pompidou, reflète le bonheur de l'artiste d'origine russe vivant à Paris avec sa femme, tout en dévoilant ses angoisses face à l'incertitude du futur. La Tour Eiffel, qui domine la scène, symbolise à la fois l'amour et l'inquiétude qui traversent l'œuvre.

Peinte pendant son séjour à Nice, cette toile représente une scène sereine et poétique où la mer, le ciel et les figures humaines se fondent dans une harmonie colorée. L’œuvre, permet d’explorer les liens que Marc Chagall a entretenu avec Nice et exprime une profonde connexion entre l’artiste, la nature et les émotions humaines.

Le Musée abrite une collection exceptionnelle d’œuvres emblématiques qui témoignent de l’histoire de l’humanité. Parmi ses trésors, on retrouve des objets préhistoriques, ainsi que des artefacts antiques, chacune d’entre elles offrant un aperçu unique sur les civilisations passées. Ces pièces illustrent la richesse historique des différentes époques et continuent de captiver les visiteurs.

Tissées dans les Flandres vers 1500, ces six tapisseries représentent les cinq sens dans une mise en scène poétique et fantastique. Le sixième sens, commenté par la mystérieuse inscription « À mon seul désir », a inspiré de nombreuses hypothèses.

Ce répertoire ornemental de la Renaissance a traversé les siècles, conservant son succès au fil du temps, notamment durant le règne de Louis XIV. Artistes et artisans s'en sont inspirés pour enrichir les arts décoratifs. Aujourd'hui, ce répertoire raffiné continue de nourrir la création de produits issus des ateliers d'excellence parisiens.

Cette estampe sur bois est la première oeuvre - et sans doute la plus connue - de la célèbre série « Trente-six vues du Mont Fuji » créée par l’artiste japonais Hokusai pendant l’époque Edo.

L'œuvre Bouvreuil et cerisier-pleureur (1834) de Katsushika Hokusai fait partie de sa série Petites fleurs. Elle illustre avec finesse un bouvreuil posé sur une branche de cerisier pleureur, capturant la beauté délicate de la nature avec une précision remarquable.

Alphonse Mucha (1860-1939), artiste tchèque exilé à Paris après une formation à Prague et à Vienne, fut un témoin et un acteur majeur de l'effervescence de la Bohème artistique parisienne. Le « style Mucha » est mondialement célèbre et emblématique de l'Art nouveau, mouvement européen de grande ampleur que cet artiste contribua largement à créer.

En choisissant le soleil comme emblème, Louis XIV s'identifie en l'astre suprême qui donne vie à toutes choses. C'est également une référence directe à Apollon, dieu de la paix et des arts. A l'instar du dieu, Louis XIV, héros guerrier, ramène la paix ; il protège les arts, il est le dispensateur de toutes les grâces.

Réalisée de 1678 à 1684, la Galerie des Glaces est devenue le lieu le plus emblématique du château de Versailles. Les chefs d'oeuvre qui y sont exposés reflètent le prestige politique, économique et artistique de la France du Siècle des Lumières.

Le studio de création parisien Happy Remix Productions invite la Cour de Versailles à votre table de fête. Festoyez dans le style somptueux de Louis XIV et de la famille royale avec cet assortiment de table original et pratique.

Cette gamme élégante reprend les portraits de grandes dames de la Cour de Versailles, sur un fond fleuri rappelant les tapisseries du château.

Cette collection s'inspire des gravures d'époque montrant avec précision les détails de la mode dont Marie-Antoinette raffolait.

Au 18ème siècle, la mode française, à la fois frivole et élégante, rayonne dans les courts d'Europe. Créée par Happy Remix Productions pour la Rmn-GP, la collection Galerie des Modes célèbre la mode baroque à l'apogée de sa renommée avec une réinterprétation originale et colorée de motifs trouvés dans deux publications de référence de l'époque : "Galerie des modes et costumes français" et "Traité des pierres précieuses".

Cette collection rend hommage à la passion du roi Louis XIV pour les plantes et fleurs, et au célèbre « Recueil des plantes du Roy » élaboré sous son règne. Élaborée avec soin par la marque française Maison Baluchon, la collection Herbier du Roi se compose d’une dizaine d'accessoires haut de gamme, avec pour fil rouge un motif exclusif librement inspiré des célèbres planches botaniques de l’Herbier.

Découvrez une nouvelle ligne colorée et audacieuse qui immortalise Marie-Antoinette, l'icône royale de la mode par excellence. Gangzai Design, studio de création français, célèbre la modernité et l'extravagance du style Marie-Antoinette au travers d'une ligne pop art de six essentiels de table.

L'illustrateur Marin Montagut a imaginé pour le Château de Versailles une collection originale et colorée inspirée par Marie-Antoinette et son goût immodéré pour la mode, la nature et les jardins.

Le roi et la reine les plus emblématiques de l'histoire de France réinterprétés avec humour par la marque française Petit Jour.

En 2021, de nombreuses institutions culturelles en France et à l’étranger ont commémoré le bicentenaire de la mort de Napoléon. D’avril à septembre 2021, la Grande Halle de la Villette a présenté l’exposition « Napoléon » retraçant l’œuvre et l’héritage de l’Empereur. Partenaire de cette exposition, la Rmn-GP a développé à cette occasion une gamme complète de produits inspirés par Napoléon.

Deux personnages très attachants, Napoléon Junior et Napoléonette, et des jeux en partenariat exclusif avec Playmobil, OMY et Mako Moulages pour découvrir la vie de Napoléon.

La Ville de Paris & la Rmn-Grand Palais s'associent pour créer une gamme colorée et raffinée de papeterie inspirée par la vie parisienne et l'architecture de la Ville Lumière. Une collection exclusivement créée et fabriquée à Paris et en région parisienne.

La ligne identitaire du Grand Palais « The Palace to be », une ligne de produits collector, de fabrication française, déclinés en noir et en argent, aux tonalités festives, qui célèbrent ce moment historique, comme une invitation à venir et à revenir au Grand Palais pour y vivre de grands moments inoubliables. Cette ligne est inspirée par la majesté et la lumière du bâtiment.